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1、从中国美术看美术与设计的关系工艺品石器在原始社会时期，人类的文明还是十分落后，然而这个时候就已经出现了美术和设计的萌芽。在对原始社会时期的考古中发现，在当时的社会就已经出现了远古时代的绘画和雕塑。这些绘画大部分都是在洞穴中发现壁画，画面十分简易，但把当时人类的生活场景都大致记载下来了。人类最初只会用天然的石块或棍棒作为工具，以后渐渐学会了拣选石块、打制石器，作为敲、砸、刮、割的工具。在经过悠久的岁月和不断的劳动生活中，石器的制作和形式的发展过程由不固定的形式进步为固定的，由不整齐的进步为整齐的，由非对称的进步为对称的，由随意拾来的原料进步为特别采择的原料。人类开始有意识、有目的的劳动，因而产生
2、了石器生产的目的性，这种生产的目的性，正是设计最重要的特征之一。石器的演进是适应着劳动的需要，反映了人的手的进步，和思维能力的发展。古代石器在经过长时期的劳动实践之后，产生了“美”的形式，这一点也是美术萌芽。如在17000 年前，生活在北京周口店的山顶洞人就已开始利用钻孔、刮削、磨光等技术，并采用石块、兽牙、海贝等自然材料来制作装饰品。它们是原始人类审美观念的反映，体现了人类对于生活的信念和热爱。从遗存的大量石器的造型来看，原始先民已能有意识地、有控制地寻找、塑造一定的形体，使之适应于某种生产或生活的需要。这些形体作为有意识的物化形态，体现了功能性与形式感的统一。人们对于线和形体的审美感在一开
3、始并不是自觉的，而是在物质生产的基础上经过漫长历史阶段的升华，才成为自觉的追求，这是人类设计文明和美术文明的一个飞跃。陶器陶器的发明是氏族社会形成后的一项重要成就。在这之前，人类只能对自然材料进行加工，并只改变外在形状。而制陶，则是通过火的应用，使泥土改变其内在性质。这是人力改变天然物的开端，是人类发明史上重要的一页。陶器是原始社会在造型美术方面遗留下来的主要创作。陶器较重要的有泥质灰陶、彩陶、黑陶和几何印纹陶四种。从陶器发展中可以了解到，产品的目的性来源于人类生活和劳动的需要，没有需要就不会去生产。产品的功能是基本的，它决定了产品的基本形体，如盆与罐的功能不同，基本的形体就不同。尽管如此，人
4、们还是可以在由功能决定的基本形体内创造各种各样富有特征和美感的形态。陶器的设计赋予了器物以物质功能和精神功能，后者集中体现在陶器的装饰上。纹饰不单是装饰艺术，而且也是氏族共同体在文化上的一种表现，是一定的人群的标志。在多数场合下是作为民族图腾或其他崇拜的符号而存在的，相当于象形文字的雏形，具有表征的作用。随着制陶工艺的发展，陶器的品种日益增多，人们己能熟练把握和精心制造各种造型的陶器，如各种比例的圆、方、长、短、高、矮的器物，其中线和形体的美感便随之产生，并日益成为这一时期很高水平审美艺术的中心。古代陶器的长期发展和演变，证明了劳动一方面创造了艺术的形式，一方面也培养了人的审美好尚。青铜器商、
5、周时代青铜工艺的丰富的遗存，集中地表现了早期美术和设计的一般面貌。青铜器本身是精美的工艺品，在风格上，装饰题材上与其他工艺美术相通。同时，青铜工艺的造型与青铜工艺上的平面的装饰和浮雕的、立体的装饰，都有直接采用写实风的动物形象的，它是了解当时绘画和雕塑的不可忽视的材料。青铜器上最常见的纹饰有云纹、雷纹、饕餮纹、蝉纹、圆圈纹等。这些精巧的雕饰，给人以富丽严肃的印象，花纹的题材可能与鬼神迷信相联系，也可能是反映民族徽记的残余。青铜器的制作主要的是为了日常使用和礼器，但也常用来殉葬。现在保存下来的青铜器，几乎都是从古代坟墓中得到的。从殉葬的情况也可以推测日常使用的情况，譬如在古代，往往一件炊煮器、一
6、件食器、一件贮酒器构成一组，就代表了一个人多方面的生活需要。所以古墓中发现成套的器皿对于研究古代生活很有帮助。古代制作铜器是隆重的事情，例如：祭祀、赏赐、战争、征伐、嫁女等等。但也有些青铜器制作时是以装饰为目的的，例如特别华丽的一些兵器。总之，青铜器在古代贵族生活中有重要地位，也集中地表现了工艺匠师的造型创造和设计能力。青铜器丰富的造型是适应生活需要的智慧创造。作为工艺形象，青铜器的造型和装饰对研究当时社会下美术与设计起到重要作用。漆器汉代的漆器在技艺上达到了顶峰。汉代漆器的生产有专门机构管理。漆器的生产过程也有了明确而细致的分工，共有制作漆胎灰底的素工、在漆胎上涂漆的髹工、做彩绘的画工等11
7、 类工种，这就使漆器能以较大规模进行批量的手工生产。汉代漆器的制作，体现了卓越的设计思想。它从实用出发，考虑到使用方便、放置的容积以及图案多样化的统一，富于装饰性。漆器的包装设计也颇具匠心，如多子盒，亦称多件盒，往往有九子、十一子之多，即在一个大圆盒中，容纳不同形状的小盒，既节省空间又美观协调。湖南长沙马王堆 1号汉墓及砂子塘汉墓出土的彩绘漆棺。马王堆汉墓漆棺于满布的云气纹中用白、红、黑、黄等色画出各种怪兽、仙人,色彩斑斓,色调变化丰富微妙。画面氛围神秘，境界奇特，气度潇洒豪放，显示出汉代漆器在外观上对美的追求，运用美术来提高产品外观的精美度。汉代漆器是实用和美观的典范，把美术元素融入到了产品
8、中，对我们的设计有很大启发，同时也是美术促进设计发展的典型例子。瓷器宋代是中国古代陶瓷发展的重要时期。它在唐、五代“南青（瓷）北白（瓷）”的基础上，受当时商品流通、城乡庶民生活及宫廷御用的推动，产量激增，质量提高，在花色品种和纹饰图案上也有所改进和创新，形成了自由奔放、简练潇洒的时代风格，并出现了定窑、汝窑、官窑、哥窑、钧窑等五大名窑，而当时的磁州窑、耀州窑、吉州窑、龙泉窑、景德镇窑等名窑也以其清新质朴的瓷器闻名于世。宋代陶瓷的突出成就，在于烧制成了定窑的白釉印花，耀州窑的青釉刻花和划花，磁州窑的白釉釉下黑彩和白釉釉上划花,钧窑的乳光釉和焰红釉,景德镇窑的影青，龙泉窑的粉青釉和梅子青釉等。而黑
9、釉的兔毫、油滴、玳瑁、剪纸漏花等新兴品种和装饰手法的出现，也标志着此一时期陶瓷工艺的巨大进步。它们相互争胜斗奇，异彩纷呈。宫廷御用瓷器多由河南宝丰清凉寺汝官窑、禹县八卦洞钧官窑和浙江杭州修内司官窑烧制进贡。这几处官窑的瓷器在青釉、乳光釉上有所创造，以醇厚典雅取胜，而有别于民窑的简朴清新从形体上来看，宋瓷造型简洁优美，器皿的比例尺度恰当，使人感到增一分则长，减一分则短，因此设计上达到了十分完美的程度。宋朝的手工业分工细密，科学技术和生产工具有了较大进步，活字印刷术就是在这一时期发明的。宋代作坊规模扩大并且多集中于集市，促进了城市的繁荣，国际贸易也很活跃。文学艺术方面，一般作品呈现着工整、细致和柔
10、美、绚烂的风格，这种倾向也反映在各种手工艺品的创作中。宋瓷在满足实用功能的前提下，在造型和装饰上多采用自然的题材。如均窑所产海棠花盆即采用海棠花造型，形式优美，色泽可爱，体现了设计与使用目的的和谐统一。明代家具明代在美术上的成就主要有院体花鸟画，体院山水画 和江南私家园林。这些造就明代美术的巅峰之作也为明代时期的设计产生了巨大的影响。由这些绘画风格使得当时的社会的园林建筑极为兴盛，而家具作为园林建筑室内陈设的重要组成部分，自然也需要相应发展，对家具的美感的追求，造就了明代家具设计崇高的历史地位，明代家具的类型和式样除了满足了生活起居的需要外，也与建筑有了更紧密的联系。一般厅堂、卧室、书斋等都相
11、应地有几种常见的家具配置，并出现了成套的家具。在园林建筑中往往把家具作为室内设计的重要组成部分，在建造房屋时就根据建筑物的开间、进深和使用要求，考虑家具的种类、式样、尺度等进行成套的配制。明代家具由于造型所产生的比例尺度，以及素雅质朴的美，使家具设计达到了很高的水平，成为中国古代家具的典范，对后世的家具设计产生了重大影响并波及海外。明代家具之所以取得高度的艺术成就，从设计上来说有以下四方面的重要因素。1注意匠美“巧而得体，精而合宜”。既在整体的设计构思上满足功能要求，又在形式上有鲜明特色。明代椅子的靠背为一整体造型的木板，其曲线与人体脊柱相吻合，既简洁明快，又使人坐上去感到舒适。扶手等的设计也
12、十分自然、圆润，这种有机的形态给人一种亲切感，富有浓郁的人情味。2注意材料美即充分利用木材的本色和纹理而不加遮饰，深沉的色调、坚而细的质感，达到了稳定和调和的艺术要求，反映了设计者忠实于材料、体现材料自身特点的思想。3注意结构美不用钉、胶，在不同部位应用不同形式的榫，反映了木制家具特有的风韵和设计者的匠心。4注意工艺美面的处理，有适当的比例与尺度;线的运用，简洁利落，在造型结束处和转折部位，加以不同的变化，产生丰富的造型形式。此外，用牙子、卷口等做出重点装饰，增加了家具的形体美。美术色彩由于色彩在设计中具有感觉的作用 ,它与公众的生理和心理反应密切相关 ,公众对设计的第一印象是通过色彩而得到的
13、。因此 ,在思考现代设计创意时 ,必须考虑表现色彩强烈的视觉冲击力 ,及通过视知觉的认知表现出的丰富的情感。因为美术的色彩是大众的情感表达 ,是大众色彩审美心理、文化观念的反映 ,所以尽管今日中国社会已发生了巨大变化 ,但不可否认的是在现代设计中运用美术的色彩元素和色彩对比,因为几千年的文化积淀 ,使得色彩的观念已深入到每一个中国人的心灵深处。中国传统色彩的显著标志“中国红”。美术色彩中的“中国红”对现代设计色彩运用的影响。传统的视觉审美观念具有主观性,在传统文化的影响下,人们的视觉审美观念具有一种主观性的表象,如“中国红”便是中国传统色彩的一个显著标志,给人一种积极热烈的视觉心理反映,同时也
14、是吉祥、喜庆的象征性语言,在中国传统节日或者具有国际影响的活动中。在国内的设计中有许多作品都运用到了红色,一方面因为本身我们自己的爱国心里,希望把民族的东西发扬光大;另一方面我们所身处的环境时时刻刻都接触到红色,人的一种心理认知方式自然而然的使红色在脑子里深刻的烙印下来,每当我们一提到颜色,第一个反应一定是对红色的感知;代表中国的标志往往都呈现出红红火火的色彩特征,例如中国的国旗同样使用了大面积的红色。在室内设计、网页设计、工业设计、服装设计中,红色也被设计师运用地恰到好处。这种主观性的色彩调配蕴涵着传统色彩观念对大众的精神需求 ,给我们以设计灵感的启迪。可以发现近年来现代设计的创意也都趋向潜
15、移默化和有效地运用传统色彩来进行大众的心理渗透 ,成功的色彩计划表现为对观众色彩审美心理正确地定位与把握。当然 ,在考虑美术的色彩与设计创意结合的同时 ,应始终把设计思维作为内在的驱动力 ,这样才会处于主动优势 ,而不是被传统文化所束缚 ,使美术的色彩的生命力最大限度地被我们的表现力所激活。根据设计创意的需要 ,从中合理吸收、巧妙运用 ,使自我的设计意识与传统艺术产生碰撞 ,激发设计创作的灵感 ,使民间传统的色彩艺术在思维空间中注入新的生命力。设计的本质是服务。在现代设计中,巧妙地借鉴传统色彩并赋之以新意,会形成高层次的色彩效果,并且使作品含有某种特殊的含义。每个民族、每个国家、每个时代都有自
16、己传统的色彩组合。它表现出不同民族与时代的特征。通过时间的过滤和积淀,那些典型的色彩组合都带有了某种色彩象征的意味。依创意所需而有目的地吸取精华才是最高的艺术表现手法。承载浓厚的地域性民族风情气息,使受众从心理上产生亲近感。在现代设计中,我们要取其形,延其意,传其神。中国美术曾经无比辉煌,它具有永恒的魅力,遵循着适合发展的艺术规律不断变迁,在新的领域中不断尝试,创造出一个又一个的色彩神话。在了解中国美术发展脉络的基础上,大胆地运用新视角进行色彩创作,从中国美术的精华寻找合适新时代发展的道路,不断丰富和提升现代设计,使现代设计在上实现新的突破。参考文献:1. 尹定邦:五大构成,辽宁美术出版社,2000年版2. 邱斌、郑钢:色彩构成艺术,江西美术出版社,2000年1月版3. 田自秉:中国工艺美术史,东方出版社,1985年1月版4. 田小杭:民间手工艺,大象出版社,2004年版
