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1、1音乐基本理论在钢琴教学中的实践研究音乐基本理论在钢琴教学中的实践研究毛奉奉【摘要摘要】音乐基本理论包括乐理、和声、复调、曲式等多方面内容。它作为人们认识音乐作品、弹奏音乐作品的方法在音乐活动中占有重要的地位。目前，人们在学习音乐基本理论的同时更加的注重实践的运用，在音乐实践中对它也更加的倚重。【关键词关键词】音乐基本理论； 钢琴教学； 实践教学 一、乐理在钢琴教学中的应用音乐基础理论是学习音乐的起点，通过翻阅大量资料，就其目的大致包括三方面的内容。首先，助你识谱、记谱；其次，为帮助专业的学生学习打下牢固的音乐理论基础，并为其他理论课的学习做准备；再次，通过教学，帮助学生提高逻辑思维能力、发展
2、音乐才能、开发智力并培养音乐审美情趣。这三个层面将这一以基本理论课程教学为目的上升到一种以培养实践能力、开发思维与艺术审美的高度，体现了素质教育精神与文化上的追求。学习音乐理论知识必须与生动具体的音乐作品相结合，脱离生动具体的音乐，抽象地背诵许多定义没有什么意义。此外，有关理论的讲述还需与听觉的训练相结合，尽管一个同学可以用语言来说明各种调式调性，但如果不能从听觉上去辨别各种调式调性的话，就无法理解各种调式调性的区别，更无从谈起理解。在这里，视唱练耳这一基本理论的范畴，对具体到钢琴教学中的运用也起到了重要作用。由于文章中音乐基本理论知识涉及的面比较广，所以就几方面进行分析研究。 1、乐理中节拍
3、、节奏涉及钢琴教学的相关问题应用。谈到记谱法中节奏与节拍的应用问题时，我们首先要区分节拍与节奏。节拍是不变而且规律性的，节奏是组织起来的长短关系，是变化着的。在弹奏钢琴作品时拿过一个谱子来要看它的节拍如何，根据节拍规定在钢琴中使用蹋板进行规律性的运动，如在弹奏牧羊姑娘时我们注意到它是四二拍即强弱关系，在弹奏时前一拍踩踏板后一拍松踏板这样做规律性的运动，体现了四二拍的运动规律。再如，郑律成的我们多么幸福拍号是四三拍即强弱弱的关系，于是在钢琴踏板运用中第一拍踩踏板，后两拍松踏板，体现了四三拍的运动规律；节奏在钢琴中不稳定，随着情感而随时波动，如库劳的A 大调小奏鸣曲第一乐章四四拍，从 21 小节开
4、始，在钢琴蹋板中节奏随着音值的长短及情感的波动而随时变换，第 21 小节前三拍踩踏板，后一拍松踏板，第 22 小节前一拍半踩踏板，后两拍半松踏板，这体现了钢琴作品中不同节奏的变2换。2、音乐理论中视唱练耳应用于钢琴教学中的应用。 “视唱练耳是一门多元化的学科，涉及到音乐门类的方方面面。 ”在音乐教学中，不少同学对视唱练耳产生了烦躁与恐惧，本人认为视唱练耳程度的好坏一部分靠天分，一部分靠努力。有些同学学得不好也是可以理解的，但后天的努力也很重要，总之视唱练耳的提高需要钢琴的配合。下面，对视唱练耳应用于钢琴教学中的分析来说明几点。（1）视唱具体到钢琴教学中的应用，在练习视唱时，要有识谱、预示的能力
5、，在钢琴教学中这些能力都要具备。结合钢琴的练习，如莫扎特土耳其进行曲 ，在弹奏时要看好谱号、调号、拍号及曲中的特殊符号，之后再来着手弹奏，这在视唱中也需要做到，只是钢琴练习需要我们手到，其次，在弹奏中还需学生快速把谱印在脑海里，要有提前预示的能力，在演奏这首曲子的第一小节时，我们要提前看到第二小节甚至后面的几小节，这可以快速训练钢琴的视奏能力做到眼疾手快。（2）练耳在钢琴教学中的应用，练耳训练的是节奏听音等方面的内容，为防止在琴中弹错音、漏音及节奏方面的问题，我们最好在弹奏时用耳朵仔细听细心辨认，避免一些不必要的错误，如在弹奏贝多芬G 大调小步舞曲时，第 23 小节出现了#4，第 26 小节出
6、现了#2 接着出现了还原，这些细微的地方如果在弹奏一遍后不注意听，很可能出现错误，当然，这也需要有一定的记谱能力。总之，我们不能忽略了听音在钢琴教学中的作用。3、音乐理论中涉及调在钢琴教学中的应用。谈及调性时，首先会想到巴赫的十二平均律钢琴曲集 ，它对于调性的实践有着举足轻重的作用。 “他要求古钢琴按平均律调音，弹出所有的大小调并自由转调。 ”这本曲集可以提高学生键盘上各个调性的把握能力，也可以全方位把握音响中的各调性。在这里又可以结合练耳练习听觉，强化学生的听辨能力及键盘记忆能力。同时，手指弹奏是触觉，通过训练可以与听觉训练紧密结合。当拿过一个谱子来难以识别调或听辨不出调性时，手指也许能在琴
7、中弹出正确的音来或凭借读谱的视觉来确定是否准确。当在键盘中出现错音或漏音时，也能通过听觉思维意识来辨别它的对与否。所以说，手指训练与听辨能力的结合往往也会提高学生的辨别与记忆能力。通过这几方面的掌握，对此也能建立良好的调性感。（二）和声在钢琴教学中的应用（二）和声在钢琴教学中的应用贝多芬说过曾说：“音乐不在谱子上，而在谱子内。 ”意思是说，我们在学习钢琴作品时，必须对作品的各方面进行分析，如从作品的时期、风格、结构要素等方面进3行考虑，获得对作品内在的把握，这便需要借助于一个感受与音响的艺术空间，运用音乐基本理论中的和声理论对其进行艺术实践。 “一首优秀的钢琴作品必是和声理论运用艺术实践的典范
8、。 ”就和声理论在钢琴教学中的应用本人也无太深入的研究，在这里只是借鉴前人的经验，在此基础上融入一些自己的观点对教学中遇到的一些问题进行探讨。1 借助于和声理论加强对不同时期钢琴作品风格的把握。（1）巴洛克时期。巴洛克时期的音乐和声色彩主要以不协和音响为主，如蒙特威尔第在他的牧歌集第四卷中就出现了许多不协和音程以及巴洛克时期典型代表巴赫的二、三部创意曲等。这些极不协和的音响色彩在巴洛克时期内大量存在，它们通常以延留音、倚音、经过音等和弦外音或装饰音出现。（2）古典主义时期。这一时期包含了前古典主义时期与维也纳古典主义时期。前古典主义时期的音乐和声色彩按十八世纪理论家的各种解释规纳为明晰的织体、
9、带常用终止式的周期性乐句、随意装饰的旋律、简单的和声、不协和音的自由处理。维也纳古典主义时期则是继续前古典主义时期音乐的一些新趋势，它以主调风格为主导，形式结构明晰、匀称。总体来讲，古典主义时期的音乐以大小调自然音乐体系为主，在和声功能上遵守严格的功能逻辑。这一时期主要由“主下属属主”建立起来的功能和声极其调性关系成为音乐的结构骨架。（3）浪漫主义时期。这一时期强调对主观情感个性化的东西比较多，尤其是对和声语言的不断探索与突破，将巴洛克时期以来的功能和声体系推倒极致。一些作曲家对钢琴音乐作品的创作更是情有独钟，为抒发发作曲家个性化的思维感情、半音化和声远近关系调、各种变音及不协和和弦的使用日渐
10、频繁，和声色彩及其丰富的织体写作也有很大的变化。如德彪西印象主义作品中的模糊调性、斯克里亚宾的“神秘和弦” 。（4）十九世纪音乐风格时期。这一时期音乐发展导致了调性体系的瓦解。在和声理论中，尽量避免属主的终止式，没有过分强调以主调为中心的清晰度。其次，旋律与和声朝它们各自的需要发展，并出现了大量的新和声思维，九和弦及九和弦以上的重叠和弦开始被大量应用。（5）二十世纪以来的音乐风格时期。二十世纪的音乐在一定程度上是十九世纪音乐发展的必然结果。和声经过十八、十九世纪的演变到二十世纪已完成了从量的积累到质的变化过程，奠定了二十世纪和声思维与技术发展的基础。人民音乐出版社出版4的巴托克新音乐问题提出了
11、二十世纪和声基础的两个方面，从横向上来看，摆脱了七个自然音级功能的十二个半音音级的解放；从纵向上来看摆脱了传统协和与不协和观念的“不协和音级的解放” （勋伯格语） 。这两个“解放”使和声彻底摆脱了先前的旧和声体系，从而展现出色彩斑斓的局面。2 借助于和声理论加强对钢琴教学中即兴伴奏的应用。钢琴即兴伴奏是一门融钢琴技能与作曲理论为一体的交叉学科。尤其在中小学音乐课与课外音乐实践中更是不可缺少。学生有了钢琴伴奏的学习和实践，可以巩固钢琴弹奏的理论知识，提高教学实践经验，同时，也可以提高钢琴弹奏水平和实际应用能力。目前以加强学生键盘技术与提高学生综合理论知识的老观念转变为对他们进行大量的实践性操作。
12、在即兴伴奏中，和声理论的运用占有极其重要的地位。在分析与弹奏钢琴作品时引导学生关注作品中和声调性的结构框架及规律，这可以使学生的思维由理性认识变为感性认识并能开拓知识空间。而在和声功能进行的和声处理上则需要看它是否合乎情理、有理论依据，如一般的钢琴作品无论大小调，开始的和弦不一定为主和弦，而结束时一般为主和弦。如正格终止，一般可用于乐句的停顿处或段落结束处，具有较强的终止作用，由属到主的和声进行构成；变格终止，一般可用于乐句的停顿处或对乐曲加以补充，加强主和弦的稳定，有时亦作为独立的终止用于结束处，这可用下属到主的和声进行。如此，像半终止的可停顿在属和弦中阻碍终止，则由属到下属的和声进行。这些
13、都将为和声的进行提供理论依据与技术上的把握。 “钢琴即兴演奏的训练是通过和声、键盘技术、歌曲分析等的综合训练和学习来完成的，知识理论的掌握和演奏实践的有机结合，才能使即兴演奏的能力得到提高。 ”（三）复调在钢琴教学中的应用（三）复调在钢琴教学中的应用“在音乐理论中，复调音乐被看作一种以若干独立的旋律线的结合与发展为基础的音乐”就其本质而言，可以说是旋律的艺术。创作一段通顺流畅的旋律是困难的，创作一段能与若干同时进行着的曲调和谐结合、相得益彰的旋律更应用心去创作、体会。结合着钢琴实践教学将复调理论变为应用理论是一件非常有意义的事情。在钢琴教学中配合着复调的训练，可以带动学生其它方面的理论知识。如
14、巴赫的平均律钢琴曲集上册第八首的赋格曲，从整体上来看，左手的旋律起伏平稳，右手变化不大；从演奏技术上看除应有的速度与力度外，也无太多要求，但仔细分析主题从低音部进入，中音部在高八度音程上模仿，在节拍上作了变动，形成不同的节拍模仿，到了第四小节主题重复出现时（低五度） ，又恢复了原来的面貌，同时低音部作自由进行，而高音5部则从第一小节第二拍起作高十五度音程的扩大模仿，在这一音响织体中，隐含着和声的运动，并随其运动的不断进步而展开调性，如果不仔细看来，可能会被多数同学误认为是首练习曲而忽略了其中的和声织体，同时也难以区分转调后的音色变化。所以说，要使学生尽可能建立良好的和声感与调性感，就是要把和弦
15、分解开来叠加一起弹奏，使键盘的和弦连接起来弹奏，就会在整个线条流动起来的基础上，使音乐的音响上下前后起伏连绵，展现立体感。同时，通过对这一赋格的训练，可以使学生感受到音响中的形态层次感。再比如里姆斯基科萨科夫的隐城基德下方一对声部形成卡农式模进进行，开始声部（中音部）作下行三度模进，模仿声部（低音部）在四度音程上作模仿，自由声部（高音部）作八分音符三连音进行，起伴衬作用，也采取模进进行（下行三度） ，转位后，一对外声部形成卡农式模进，自由声部在中音部进入（比原位低三度） 。通过结合着钢琴训练，学生除了能够对调性关系更明确外，也能够获得更多的复调知识。（四）曲式在钢琴教学中的应用（四）曲式在钢琴
16、教学中的应用 曲式分析作为一门学科，在整个音乐基本理论知识及其教学体系中有着特殊的意义与地位，它不同于乐理、和声、复调等要素性质的基础学科，它以具体、完整的音乐作品为本体，以阐述作品的整体及其各部分结构样式规律为主干，联系与之相关的各方面而展开，根据理论结合的实践最终所揭示的是极其完美统一的艺术境界。目前，许多钢琴教材曲目背后都标有曲式结构及乐曲性质等，而很学生在弹奏时只注意曲子的弹奏技巧了，忽略了曲子后面的标注，这是个不好的现象。曲式分析要把所学的各种基础理论知识还原于活生生的作品中。所以说，曲式分析这门学科能够全面地接近并介入音乐本质与本体中。诚然，对那些学习钢琴的学生来说，只注意弹法与技巧的弹奏即便再熟练也无法进一步地深入钢琴作品中。下面本人试举两首钢琴作品进行分析。柴可夫斯基的钢琴套曲四季第二首，学生在弹奏时应事先把握住曲子风格。本首曲目展现了俄罗斯民族节日欢乐的场面，音乐色调明朗欢快；在弹奏时从结构性质分析，作品结构为复三部，中部以模进的方式进展，具有插部性写法从性质上来看，本曲也具有回旋曲式的性质，主
