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1、中国京剧是中国的“国粹”，已有年历史。京剧是中国最大戏曲剧种。其剧目之丰富、表演艺术家之多、剧团之多、观众之多、影响之深均为全国之冠。京剧是综合性表演艺术。集唱（歌唱）、念（念白）、做（表演）、打（武打）、舞(舞蹈)为一体、通过程式的表演手段叙演故事，刻划人物，表达“喜、怒、哀、乐、惊、恐、悲”思想感情。角色可分为：生（男人）、旦（女人）、净（男人）、丑（男、女人皆有）四大行当。人物有忠奸之分，美丑之分、善恶之分。各个形象鲜明、栩栩如生。 形成与传播：京剧前身是清初流行于江南地区，以唱吹腔、高拨子、二黄为主的徽班。徽班流动性强，与其他剧种接触频繁，在声腔上互有交流渗透，因此在发展过程中也搬演了
2、不少昆腔戏，还吸收了啰啰腔和其他一些杂曲。清乾隆五十五年（1790），以高朗亭（名月官）为首的第一个徽班（三庆班）进入北京，参加乾隆帝八十寿辰庆祝演出。随后还有不少徽班陆续进京。著名的为三庆、四喜、春台、和春四班，虽然和春成立于嘉庆八年（1803），迟于三庆十三年，但后世仍并称之为“四大徽班进京。,中国国粹京剧,京剧脸谱,脸谱具有很强的艺术性，勾脸也具有高度的技巧性，象书法和绘画一样，用笔要准确有力，渲染需浓谈有致，钩勒则惜墨如金，这样才能画得生动有神，惹人喜爱。 勾脸不能按谱照搬，要根据自己的脸型、表演特色和所演剧目，把脸谱勾活，才能生动地体现出剧中人物的外貌和性格特征。著名的京剧表演艺术家
3、勾的脸部各部位线条纹理，恰好与面部神经相应，因而表演时极大地有助于演员表达剧中人物的感情，使脸谱与表演有机地结合在一起。有丰富经验的艺术家，能够利用勾脸来弥补脸型的不足，以改变脸型与面部解剖的关系。脸型窄小，个子不高，可以根据自身条件对脸谱进行加工与再创造，花脸演员们常说的“勾脸能变形”就是这个意思。,川剧变脸,变脸，这是川剧表演艺术的特殊技巧之一，观众非常感兴趣，看过之后，无不惊叹，它是揭示剧中人物内心思想感情的一种浪漫主义手法。把不可见、不可感的抽象的东西变成可见、可感的具体的东西。变脸的手法大体上分为三种，它们是抹脸、吹脸、扯脸，此外，还有一种“运气”变脸。 “抹脸”是将化装油彩涂在脸的
4、某一特定部位上，到时用手往脸上一抹，便可变成另外一种脸色。如果要全部变，则油彩涂于额上或眉毛上，如果只变下半部脸，则油彩可涂在脸或鼻子上。如果只需变某一个局部，则油彩只涂要变的位置即可。 吹脸，只适合于粉末状的化妆品，如金粉、墨粉、银粉等等。有的是在舞台的地面上摆一个很小的盒子，内装粉末，演员到时做一个伏地的舞蹈动作，趁机将脸贴近盒子一吹，粉末扑在脸上，立即变成另一种颜色的脸。必须注意的是：吹时闭眼、闭口、闭气。 “扯脸”是比较复杂的一种变脸方法。它是事前将脸谱画在一张一张的绸子上，剪好，每张脸谱上都系一把丝线，再一张一张地贴在脸上。丝线则系在衣服的某一个顺手而又不引人注目的地方(如腰带上之类
5、)，随着表演的需要，在舞蹈动作的掩护下，再一张一张地扯下来。一是粘脸谱的粘合剂不宜太多，以免到时扯不下来，或者一次把所有的脸谱都扯下来。二是动作要干净利落，假动作要巧妙，能掩观众眼目。 运气变脸 传说已故川剧名演员彭泗洪，在扮演空城计中的诸葛亮时，当琴童报告司马懿大兵退去以后，他能够运用气功而使脸由红变白，再由白转青，意在表现诸葛亮如释重负后的后怕。 拭豹眼 黑烟子在双眉间一抹而成,用以表示其凶残狠毒。 变脸的问题，是川剧中特有的技艺，它的骤然变化，促使见者改观，变脸是感情的象征，许多的脸谱已经有它显著的典型的特质，说明人物的忠奸邪正，而变脸更帮助了个性的强调与感情(变)化的发展过程，这是四川
6、戏的优点。加之演员能于观众不注意间改变他的脸像，也是一种惊人的技术。 “变脸”的特技，现在已被其它兄弟剧种所采用，目前则存在用得太泛的不良倾向。而且，已经传到国外去了。,广东粤曲,广东粤曲清新柔丽，是中国曲艺家族中的重要成员。它用广州方言演唱，流行于广东、广西、香港、澳门等广州方言区域，并流传到东南亚、北美等粤籍华侨及华人聚居的地区。 粤曲源自粤剧清唱。约于清道光年间，有以清唱粤剧为业的八音班，他们用粤剧的剧本，用粤剧的曲调，用粤剧的“戏棚官话”分脚色演唱。以后又出现了穿街过巷卖唱的女盲艺人，被人们称作“瞽姬”、“师娘”。她们每人都要掌握不同脚色的唱腔，一人演唱多个脚色，较之“八音班”在歌唱技
7、艺方面有了新的发展。这种演唱盛行了60多年，在粤曲史上称为“师娘时期”。 民国以后，在茶楼歌台上逐渐出现了明目女子演唱粤曲，人们呼她们为“女伶”。她们改“戏棚官话”为广州方言，改假嗓为真嗓，并划分为大喉、平喉(此为男角专用腔)、子喉(为女角专用腔)3种唱法，粤曲进入了鼎盛时期，史称“女伶时期”。 近百年来，粤曲紧跟时代而发展，它善于吸收，能够兼融并蓄，不断丰富，不断创新，拓宽了唱腔音乐，如将粤剧的“梆、簧”，广东的曲艺龙舟、南音、粤讴、木鱼歌，乃至广东音乐(包括杂曲小调或器乐曲)均拿来填词演唱。伴奏除高胡、扬琴为主奏乐器外，还加入了萨克管、小提琴、电子琴等等。粤曲脱胎于粤剧，它和粤剧在唱腔音乐
8、方面长期存在着互相吸收、互相融化、互相促进、共同发展的极为密切的关系，因而粤曲和粤剧至今仍基本唱着相同的腔调。,相声,相声，是中国曲艺艺术品种中影响最大，最受听众观众欢迎的一种。可以说，在中国，地不分东南西北，人无分男女老幼，没有不知道相声，不喜欢相声的。 相声又是中国曲艺中最具喜剧特征和幽默品格的一种。中国类似相声表演，以对话的机智和幽默取胜的人与事，在历史上十分常见；但相声作为一个独立的表演形式，大约形成于清代咸丰年间(18511861)。清末民初以来，相声艺术不仅在表演技巧上日益完善和丰富，而且在不同的历史时期涌现出不同的代表性艺人。比如清末以裕德隆、焦德海、周德山、卢德俊等“德”字辈艺
9、人组成的艺人群体，人称“相声八德”，民国初期，艺名“万人迷”的李德，民国年间的张寿臣，以及后来至中华人民共和国成立声誉日隆的侯宝林和马三立，包括侯宝林的学生马季，马季的学生姜昆等，均以各自的艺术表现而负有盛名。 相声的表演形式有三种，早期主要为一个人说演的“单口相声”，所演类似于讲小笑话或幽默故事。后来出现了两个人合作表演的“对口相声。”其中一个人为甲方，称作“逗哏”的，另一人为乙方，称作“捧哏”的。“对口相声”的表演是在对话中制造笑料，给人启迪。因着所演节目的题材内容的不同，把甲主说，乙附和的节目，称为“一头沉”；把甲乙双方争论的节目称作“子母哏”；把有大段诵说或韵诵表演的节目称作“贯口活”
10、；而把仿学唱戏唱歌的内容为主的节目称作“柳活。”另有一种三人或三个人以上的多人表演的形式叫做“群口相声”，表演时一个人“逗”，多人捧”，另有一人打岔提破，称作“腻缝儿”。三种形式之中以“对口相声”的说演最为常见和普遍，是其艺术样式的主体。 相声表演讲求“说、学、逗、唱”，即不但口齿要清，而且要善于摹仿各种人和事物以及声音效果，更要擅长制造笑料，即“抖包袱”，同时还要求嗓子好，能学唱各种戏曲唱腔和流行曲调。由于相声表演全仗嘴皮子功夫，故上述四种基本技巧一般要求必须具备。但实际上各个演员各有擅长，各有风格。 作为通过逗乐来完成艺术审美的曲艺形式，相声表演的基本要求是让观众发笑。相声的笑料行内人称作
11、“包袱儿”，意喻节目的效果与主题，是经过反复铺垫后，突然地展现出来的。通常要求笑料能于偶然中显示必然，让观众既感到是意料之外，笑过细想又觉得全在情理之中。因而，欲擒故纵、声东击西、误会巧合、谐声双关等思维智慧与修辞技巧在相声艺术中常被使用。又由于相声通过笑料来启迪观众，表达思想与爱憎，因而在幽默之外，讽刺是其基本的审美品格。 由于相声所具有的独特审美效果，流传也十分广泛，汉民族之外，中国的一些偏远地区和少数民族地区，还出现了“方言相声”和少数民族语言表演的相声，如“藏语相声”等。,苏州评弹,苏州评弹是苏州评话和弹词的总称。它产生并流行于苏州及江、浙、沪一带，用苏州方言演唱。评弹的历史悠久，清乾
12、隆时期已颇流行。最著名的艺人有王周士，他曾为乾隆皇帝演唱过。嘉庆、道光年间有陈遇乾、毛菖佩、俞秀山、陆瑞廷四大名家。咸丰、同治年间又有马如飞、赵湘舟、王石泉等，之后名家流派纷呈，使苏州评弹艺术历经200余年至今不衰。 苏州评弹有说有唱，大体可分三种演出方式，即一人的单档，两人的双档，三人的三个档。演员均自弹自唱，伴奏乐器为小三弦和琵琶。唱腔音乐为板式变化体，主要曲调为能演唱不同风格内容的书调，同时也吸收许多曲牌及民歌小调，如费伽调、乱鸡啼等。书调是各种流派唱腔发展的基础，它通过不同艺人演唱，形成了丰富多彩的流派唱腔。大致可分三大流派，即陈(遇乾)调、马(如飞)调、俞(秀山)调。经百余年的发展，
13、又不断出现继承这三位名家风格，且又有创造发展自成一家的新流派。如此发展繁衍形成了苏州评弹流派唱腔千姿百态的兴旺景象。,大鼓与鼓书,大鼓与鼓书是中国曲艺曲种分类中一个类别的两种称谓，主要曲种有京韵大鼓、西河大鼓、梅花大鼓、乐亭大鼓、东北大鼓、山东大鼓、北京琴书、河南坠子温州鼓词等数十种。主要流行于中国北方诸省、市的广大城镇与乡村。其表演形式大多为：演员一人自击鼓、板，配以一至数人的乐队伴奏演唱。主要伴奏乐器为三弦(这是不可缺的)，另有四胡、琵琶、扬琴等。演员自击的鼓，也称书鼓，其形状为扁圆形，两面蒙皮，置于鼓架上(鼓架依不同曲种有高矮之别)，以鼓箭(竹制)敲击。板有两种，一种由两块木板组成(多以
14、檀木制成)；一种由两块半月形的铜片或钢片组成，俗称“鸳鸯板”。大鼓的文学脚本称为鼓词，基本为七言或十言的上下句体。作品(即曲目)有短篇、中篇、长篇之分。短篇只唱不说，中、长篇则有唱有说。人们往往称唱短篇为唱大鼓，唱中、长篇为唱大鼓书。大鼓的唱腔音乐结构为板腔体，唱腔曲调多源于流行地的民间音乐及地方小调，并用当地方言语音演唱。音乐唱腔是区别不同大鼓曲种的主要标志。,音乐的活化石纳西古乐,位于我国西南边陲云南省境内的丽江古城是一座有着悠久历史的少数民族古城，是中国历史文化名城中唯一没有城墙的古城，历经千余年的风雨洗礼，至今仍保持着古朴的风貌，古城内的街道依山傍水而建，古朴自然，兼有兼有水乡之容、山
15、城之貌，已被列入世界遗产名录，而生活在这座小城中的主要民族纳西族不仅拥有自己的语言文字，更是创造了被誉为“音乐化石”的纳西古乐。 纳西古乐由白沙细乐、洞经音乐和皇经音乐组成（皇经音乐现已失传）。纳西古乐融入了道教法事音乐，儒教典礼音乐，甚至唐、宋、元朝的词、曲牌音乐，形成了它独特的灵韵，被誉为“音乐化石”。 纳西古乐有着一套严格的传承方式，他们遵循以师带徒或父带子的方式，使古乐代代相传，并用工尺谱为媒介以口传心授的方法传教。师傅口唱工尺谱，一曲曲一句句地教，徒弟一曲曲、一句句地背。边背工尺谱边学习演奏一件乐器，然后逐渐实践，边学边奏，直至逐曲熟练。正是由于这种严格的传承方式，纳西古乐才得以流存
16、至今。 纳西古乐会集古老乐曲、古老乐器和高寿艺人为一体，被誉为稀世“三宝”。古乐会演奏的乐曲历史悠久，古朴典雅，最早可追溯至唐代。而古乐会的成员中，有半数以上是年逾花甲的老艺人。乐队所用的古乐器有苏古笃、曲项琵琶、双簧竹管乐器波伯（芦管），还有竹笛、大提胡、中胡、小叫胡、三弦、五音云锣、中锣、小镲、铙、大钹、锣、板鼓、提手、木鱼、磬等等。,民歌的起源和发展,一、民歌的起源和发展 民歌是劳动人民集体的口头诗歌创作。民歌，即民间歌谣，属于民间文学中的一种形式，能够歌唱或吟诵，多为韵文。 民歌是人类历史上产生最早的语言艺术之一。我们的祖先，在生产劳动中，创造了音乐，唱出了最早的民间歌曲劳动号子。原始的民歌，同人们的生存斗争密切相关，或表达征服自然的愿望，或再现猎获野兽的欢快，或祈祷万物神灵的保佑，它成了人们生活的重要组成部分。随着人类历史的发展、阶级的分化和社会制度的更新，民歌涉及的层面越来越广，其社会作用也显得愈来愈重要了。 诗经中的国风，是我国古代最早的民歌选集。它汇集了从西周到春秋约500多年间，流传于北方15个地区的民歌。国风中的民歌，大部揭露了
