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1、水彩画讲稿： 课题：水彩画技法研究安庆师范学院艺术学院美术系张学衡主讲第一讲：概述 水彩画是色彩画的一种，是以水为媒介，调合透明性的水彩颜料在特制的白色或浅色的水彩纸上作画的一个画种。透明水彩颜料在用水调合作画的过程中，通过水与色的相互渗化、叠加和混合，产生出区别于其他画种的独特的艺术效果，其特有的透明、润泽、轻快、流畅之感，充满了水色交融的意味，体现出水彩画的艺术特色。 从广义上讲，水彩画的范畴也包含着水粉画，因为水粉画也是以水为媒介的色彩画。在我国已明确地将水粉画列为一个独立的画种，它所使用的颜料是不透明的、可以用水稀释的粉质颜料，有较强的覆盖力。因此水粉画主要用不透明画法，这也成为水粉画
2、的主要技法，有着与水彩画不同的艺术效果，形成了水粉画的艺术特色。在实践中有的水彩画家在自己的作品中把透明色和不透明色结合起来了，在一幅画中同时包含了水彩和水粉的技法。不仅如此，因为近些年出现的丙烯颜料也是用水调色的，且色彩明快鲜艳，所以也被画家们用在了水彩画的表现中，这就使水彩画的技法得到了更多的充实，从而更加丰富了水彩画的表现手段。 水彩画是从西方传人我国的。由于使用的工具与传统的中国画比较接近，所表现的画面气韵效果也与我国传统绘画中的追求有许多相似之处，所以很快就被中国的画家们接受并掌握。虽然世界上第一幅水彩画出自德国画家丢勒(14711528)之手，早期的西方殖民者也用水彩来作为描画地形
3、地貌等的实用绘图手法，但真正使水彩画成为一个独立的画种并使其得到发展的国家却是英国。从18世纪中期开始，英国画家保罗桑德比(1730-1809)以及在他之后的一些画家们就在水彩画的创作与教学、工具与材料的改进方面作了不懈的努力，画出了大量流传至今的优秀水彩画作品，使英国成为名副其实的水彩画的故乡。 中国最早画水彩画的是徐咏青(1880-1953)，他曾画过不少比较工细的水彩画，并培养了一批画家，在当时的上海颇有影响。他编撰的水彩风景写生一书是我国最早的水彩画论著之一。此后，留学海外的周湘、吕园子、李铁夫、李剑晨、关广志等画家带回了水彩画的知识、技法和艺术观念。他们传播了水彩画艺术，开拓了我国水
4、彩画艺术事业，并著书立说，培养画家，使水彩画在我国逐步得到普及和发展，在我国的美术界有了一定的影响。50年代，水彩画在我国曾出现过繁荣的局面。80年代以后，各省市相继成立了水彩画会、水彩画研究会等学术组织，有关水彩画的展览和出版物层出不穷，涌现出一大批年轻的水平很高的水彩画家，大大提高了我国水彩画在国际画坛上的地位。现在，一大批学习绘画的青年人希望学习和掌握水彩画的基本技法，他们渴望能得到良好的指导。本书就是以此为目的的。我们力图使本书成为读者学习水彩画的良师益友。 学画的基本要求是要多看、多想、多画。多看指的是看美术展览、画册及有指导意义的读物，无论是原作还是印刷品，只要是好的，都要认真研究
5、，这样才能提高自身的鉴赏力。多想是指写生作画时要多动脑筋，注意分析和研究，平时也要时时处处注意观察和思考，养成一种良好的动脑筋的习惯。多画是要求学画者勤练习、多实践，力求做到笔不离手。要知道，没有大量的写生练习，不投入相当的精力，是不可能得到较好的成绩的。 学习水彩画必须具备一定的造型能力，有表现形体结构和明暗层次的功夫，即素描基本功。用色彩表现对象既要抓住其形体结构，又要把握好色彩关系，所以，先解决了素描的造型问题，在此基础上再来研究色彩以及水彩画的具体技法就会顷利得多。要学习好水彩画，就需要从基础学起，理解“水”与“彩”，这是水彩画中不可分离的两个重要方面。所谓“水”并不是单指作为媒介的一
6、种材料而言的，它包含有水对水彩画的特殊含义，是我们在学习水彩画时要很好地去体会和理解的；同样，“彩”在水彩画中也不仅是指颜料的性能一个方面，而是包含了对色彩知识的了解、对绘画色彩关系的把握、对画面色彩的运用等多个方面。 对于这几个方面的问题，本书将结合写生色彩学的基本知识，从静物、风景及人物三个方面，通过具体而详尽的论述和作画过程的分析、讲解，使读者对水彩画有一个比较清晰的了解。我们期望着有志于水彩画学习与研究的读者，通过本书的这个阶梯，能步人一个更高的艺术层次。第二讲：了解基本的色彩知识 水彩画是用色彩表现客观刘象和主观感受的，画面有了色彩就会更加充分地表现对象，也能更充分地表达情感。色彩是
7、水彩画表现的重要语言。学习色彩的基础理论，了解色彩的基本原理，掌握色彩的基本规律，是学习水彩画的重要课题。 一、 色彩的基本原理 我们生活的这个世界充满着丰富的色彩，然而我们之所以能够感觉到这些色彩，是因为有光的作用。实际上没有光就没有色彩。如果在一个伸手不见五指的漆黑的环境中，即使我们身边的物体色彩丰富多样，但由于没有光的作用，我们也无法感觉到这些色彩的存在，是光创造了五彩缤纷的色彩世界。 早在1666年，英国伟大的物理学家牛顿就通过三棱镜分析出了倾向白色的日光是由红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种色光组成，并称之为光谱，也因此明确了光与色的关系。七色光谱所包含的颜色是所有物体颜色的科学依据。
8、自然界不同的物体为什么会呈现出各种不同的颜色?正是上述色与光的原理。不同物体表面的微粒自然地有选择地吸收与反射不同色光，所反射的色光，就是我们感觉和认识的不同物体的基本色。物体的色彩并非固定不变，光的强弱，光的照射角度，光本身的色彩倾向变化，这都会引起物体基本色的变化。我们研究色彩，始终要紧密地把色与和光联系在一起来研究。 早期的欧洲古典主义画家们是在室内画色彩画的，他们总是将画面的色调画成深褐色。到了19世纪，画家们才逐渐认识到光在色彩绘画中起着重要的作用。在当时的法国，一些画家们走出画室，来到大自然中，通过写生，潜心研究光与色彩的规律，这些画家被称之为印象派。印象派画家莫奈为了研究光与色的
9、关系，经常在不同的时间和环境下画同一个景物，体会瞬息万变的光对色彩的影响，他以对色彩的敏锐感觉，画出了充满着光感的、色彩变化丰富的风景画。他和印象派的画家们从理论和实践上发展了绘画的色彩学，开拓了绘画的新局面。 二、 色彩的三要素 自然界主要的光源就是太阳光，它可以被分解成为红、橙、黄、绿、青、蓝、紫七种色光，即光谱。受光的物体因物质微粒的不同，有选择地吸收与反射了不同的色光，反射出的色光就是我们所看到的物体的颜色，形成了不同物体的色彩；尽管自然界的色彩千万种，但从色彩学的角度则可以分为原色、间色和复色三种。 原色指的是最基本的颜色，是用其他任何颜色都无法调配出来的颜色，原色只有三种，即红、黄
10、、蓝。 间色是由两个原色混合而成的，标准的间色也只有三种，即橙、绿、紫，它们的混合方法为：红+黄二橙，蓝+黄二绿，红+蓝二紫。 复色如果是由两种间色等量混合而成，即为标准复色；如果两种间色不等量地1昆合，可产生各种不同的复色。复色，实际上是由三原色不同比例混合而成的。广义上的复色许许多多，无法计数。复色的应用范围是非常广泛的。 1色相 就是色彩的相貌。它能体现出每种颜色的主要特征。如深红、大红、朱红、桔黄、中黄、柠檬黄、草绿、翠绿、湖蓝、普蓝、群青、紫罗兰、玫瑰红、土黄、土红、赭石、熟褐、橄榄绿、米黄、奶黄、银灰、铁灰、藏青等等。把颜色按照红、橙、黄、绿、青、蓝、紫的光谱顺序排列成环形称为色相
11、环，在这个色环上我们能够很清楚地确定颜色的位置和它们相互之间的关系。色环是指导我们认识颜色、分析颜色、调配颜色和使用颜色的必不可少的依据。 2明度 又称亮度，即色彩明暗深浅不同的程度。任何一种色都有一定的明度，在红、橙、黄、绿、青、蓝、紫中，紫色的明度最低，黄色的明度最高，在去掉了颜色成分的黑白照片中能很明显地体现出每个色相的明度关系。明度的强弱程度通常用高、中、低来表示，如：高明度、低明度。 3纯度 也叫饱和度、彩度，即色彩的鲜艳纯净程度。从色环上看到的色彩都是纯度比较高的颜色，但如果将某个颜色和它的补色或黑色、灰色相调合，其颜色的纯度就会大大降低。调合的颜色种类越多，色彩的纯度就越低。在颜
12、色的混合中，如将三原色相加则出现黑色或灰色。第三讲： 水彩画的工具材料 一、传统水彩画的工具材料及演变从某种意义上说，任何一个画种的物质材料特性，决定了它与其他画种在表现对 象、表现方式和审美效果诸方面的区别。水彩画在长期的发展与完善过程中，逐渐拥有了一整套适合于本画种的工具材料以及独特的作画方法。早在远古时代，大约15000年前，原始人就开始用兽血、赤铁矿石以及植物的花茎色液在山洞里作画。先辈们用当时仅有的红、黄、褐几种颜色进行晕染而显出虚实相间和毛茸茸的感觉，足以令人叹服。至中世纪，人们便开始利用水、胶、腊调和色粉来描绘宗教壁画或作装饰。此外，还有使用类似方法为祭祀用的手抄经本绘制插图的记
13、载。意大利文艺复兴时期盛行湿壁画的表现技法。它是以水调和颜料，趁墙壁上灰泥未完全干透前直接描绘于之上的方法，当灰泥干透固定时，颜料也一起被固定在表面了。为了达到这一目的，要求画者在作画时动作要迅速，一气呵成，有点类似现代水彩画中的湿画法(或称湿底着色法)，只是两者的颜色承载面不一样罢了。此外，还有一种蛋彩画，即将蛋黄、蛋白及阿拉伯胶等来调和颜料作画，只是在颜色上不如前者鲜艳。文艺复兴时期的巨匠达芬奇（1452-1519）曾经运用在普通纸或羊皮纸上先用炭笔和有色粉笔勾画人物的轮廓，然后用色稍作擦染的方法来为其壁画作草稿。16、17世纪这段时期内，有许多画家沿用此法为书籍作插图或作肖像速写，只是在
14、强调钢笔、铅笔线条的同时，加强了运用水彩来作渲染的成分，色彩也较前者更为丰富。随着18世纪产业革命和化学工业的迅速发展，不断有新的人工合成色料被发现，代替了原本不够理想的颜色，大大丰富了画家们调色板上的色彩系列。颜料的制作也由原先的画家自己动手制作和小作坊加工生产等形式逐渐发展为有一定规模的工业化生 产。然而，当时在欧洲国家，画家在作水彩画时大都离不开先用钢笔、铅笔、色粉笔描绘轮廓，再用透明水彩作渲染的画法，线条的运用仍占据着重要的地位。 直至19世纪后，英国的吉尔丁、透纳、科特曼、包宁顿等一批杰出的水彩画家，挣脱了数世纪以来一直以钢笔、铅笔线条主宰画面的约束，而致力于追求颜色本身的存在与独立
15、的表现价值，使水彩画开始真正展现它的纯粹性与无穷魅力。还应指出的是，18奶年铅锡管颜料的发明与生产使得水彩画家们能更为方便地从室内走向室外，更为直接地面对自然进行写生，“捕捉那灿烂的阳光与迷人的空气”， 有力地促进了水彩画的发展。 二、 水彩画工具材料及性能颜料颜料质量的优劣，从某种程度上直接影响到绘画作品品质的高底。从古到今，颜色的原材料基本上是从动物、植物、矿物等各种物质中提取制成的。随着现代化学工业的发展，在颜料制作上开始大量运用化学合成的方法，无疑有力地促进了颜料制造技术的进步。严格来讲，水彩颜料主要是由颜料粉、阿拉伯胶、水、甘油及防腐剂等合制而成。颜料粉的加工十分讲究，直接关系到颜料的透明度、渗透效果及色相的准确程度，而胶的主要作用是使颜料能附着在画面上，甘油的功能则是使颜料滋润而不干燥。一支水彩颜料的成分大致是颜料粉35，阿拉伯胶25，甘油20，水20及少量防腐剂。当然，从目前画材市场来看，由于各国颜料的特点不同，其配方及各成分之比例也存在差别，这也是十分自常见的水彩颜料多为12色、14色、18色、24色盒装水彩颜料，在一些商店偶尔也能遇见单支水彩颜料，各人可根据需要来选购。 国产的水彩颜料要首推上海实业马利画材有限公司生产的马利牌水彩颜料，合资有英国温莎牛顿水彩颜料，
